KOLDO AROSTEGUI (Bilbao, 1983) comenzó sus estudios en Barcelona (Area, Tragant, Auladansa UAB) Estudió en The London Contemporary Dance School (The Place) y en School for New Dance Development de Amsterdam.
Ha trabajado con la Compañía Mudances-Angels Margarit, con Deborah Hay, con el coreógrafo chileno Rodrigo Sobarzo, con la compañía Dansgroep Amsterdam-Krisztina de Chattel, con NuxCompany y con Jesús Rubio Gamo. Ha participado también en la pieza “The show must
go on” de Jerome Bel.
En los últimos años, forma pareja artística con Angela PerisAlcantud con la pieza para público infantil “ALLES”
Es intrérprete en la última pieza de la compañia ERREQUERRE, “ Reset”
¿Qué importante o es necesaria la improvisación en el mundo de la danza? (aunque una pieza ya esté construida totalmente)
Pienso que la improvisación siempre forma parte de la danza. Incluso en las coreografías más formales el intérprete, el buen intérprete, llena el material coreográfico en el momento que lo ejecuta. Una buena bailarina es autora del material que presenta en escena auque la coregografía sea de otra persona. Bailamos el momento, el espacio que nos rodea, la gente con la que compartimos este momenmto. Bailamos cómo estamos y quienes somos y esto varía continuamente. Cuanto más presentes estamos más improvisamos. En mi caso, de manera consciente dejo bastante espacio para la improvisación. Aunque tengo una intención o un intento de generar un lenguaje me gusta dejar espacio para el “no saber” y en ese “no saber” encontrarme con el público. Hay un espacio azaroso en el que espero que ocurra lo que se necesita, lo que necesitamos quienes estamos ahí.
- Participó en “The show must go on” de Jérôme Bel un espectáculo donde examina la relación entre el arte y la vida constantemente, entre diversos tipos de música y las personas.
¿Cómo fue introducirse en esta pieza? ¿Qué te aportó artísticamente? La performance en esta pieza ¿Cómo la viviste?
ha sido una de las mejores experiencias escénicas en las que he participado. Es una pieza que funciona a la perfección. Es sencilla pero ingeniosa, y conecta con el público en un plano intelectual y emocional. Es un apieza inteligente que te hace disfrutar de los 20 cuerpos que hay en escena, apreciar su particularidad te acerca a la humanidad que reside en cada cuerpo que se mueve. Cada detalle esta pensado para conectar con el público. La disposición en el espacio, el juego que se contruye con la audiencia que poco a poco entiende, participa y al final se relaja disfruta y se deja llevar. Aprendí mucho observando como estas decisiones estaban muy pensadas y de la relación que se genera con la audiencia, sobre sus expectativas y las referencias compartidas.
- Desde el 2012 llevas trabajando una pieza infantil llamada “Alles” con la que has recorrido muchos países ¿Cómo es el público infantil? ¿ En una pieza como Alles los niños y niñas entienden la pieza más en un lugar que en otro o como es actuar para el público más exigente?
Sin duda, el público infantil es el más exigente. Alles ha sido una experiencia fantástica que me ha hecho crecer mucho artíticamente. Conmencé a trabajar con mi compañera Angela Péris y juntas hemos realizado más de 150 representaciones. El mérito de esta pieza es que durante 45 minutos sin música y escenografía conseguimos mantener la atención de lxs niñxs de 4 a 8 años. Hacemos música con el cuerpo, ruidos que se convierten en escenas locas que derivan una a la otra, cantamos... Alles no es una historia narrativa, pasamos de un personaje a otro de un imaginario a otro solo guiados por la voz la imaginación y el cuerpo. Los niñxs aceptan todo, cualquier salto ilógico, cualquier cambio de guión solo si estamos comprometidos y viviendo al máximo cada escena y conseguimos mantener la musicalidad de los momentos que se suceden. Cuando actúas para niñxs recibes un montón de información, reaccionan si les gusta si se aburren, si les da miedo, si quieren más, si se divierten. Hay un flujo continuo de información que te permite recrear cada escena con nuevos elementos. Alles es una pieza muy estructurada. Sin embargo cada vez que la hacemos llenamos el material de lo que el público nos da. Para esto, actuar para niñxs es una escuela.
- Con “un cuerpo sinvergüenza” conseguiste el Premio ACT-DURI en el Festival Act, que te llevo a actuar hasta Seúl ¿ganar un premio en el mundo de la danza, es sinónimo de visibilidad,como en otras artes? ¿Cómo se ve la danza en un país como Seúl y como la viste como interprete?
Un premio siempre ayuda. Es un reconocimiento y una aliciente para seguir adelante en esta profesión tan precaria. No estabamos seguras de cómo se recibiría Un Cuerpo Sinvergüenza en Seúl. En esta pieza, hay cierto humor absurdo que pensábamos podría no entenderse. Hay referencias que pensabamos podrían no ser compartidas por otra cultura. El público que vino a vernos fue un público jóven muy abierto y eso ayudó a la buena recepción. Nos sorprendió que la pieza funcionó, la audiencia empatizó con los personajes y estuvo conectada todo el tiempo. Angela Péris y yo no hacemos piezas muy formales o muy estéticas, todo reside en nuestra performatividad y nuestro compromiso en escena. Creo que como Alles, Un cuerpo sinverguénza dentro del absurdo tiene musicalidad. El ritmo de las escenas construye poco a poco una lógica que permite al público empatizar y experimentar con nostras.
- Conocí tu trabajo en la training week de Performing Gender: Dance makes difference y me sorprendió y me cautivó tu coreografía en un sitio atípico como fue “La Neomudejar” en Madrid. A la hora de llevar tu proyecto ¿Cómo elegir la música y también hacer una coreografía transgresora, bonita y elegante, donde el espectador se diese cuenta de que la danza es una manera de expresarse, de abrirse, de mostrar la sexualidad e incluso de innovar?
La danza es todo eso que dices y más. La neomudejar es un sitio muy especial y actuar allí era una oportunidad preciosa. Yo venía del programa Performing Gender trabajando unos materiales coreográficos pero al tener un sitio tan partícular e inspirador prefería dejarlos a un lado y hacer algo completamente nuevo para esa presentación. Quería utlizar el espacio y todas las historias e imaginarios que evoca. La Neomudejar es un antigúo taller ferroviario reconvertido en un centro de arte contemporáneo. En la sala en la que actúe había una máquina enorme de hierro bastante impresionante que no podía omitir. Me imaginé la historia de un trabajador de principios de siglo pasado que cuando salía del trabajo vivia con alegría su sexualidad no normativa. Acudía a pequeños cabarets o bailes a juntarse con mujeres de vida alegre mariquitas travestis y gente de moral ligera. Encontré un cuplé de un autor conocido de la época que me cautivó. Las tardes en el Ritz de Alvaro Retama. Me parecía que tenía que hacer un presentación con cierta memoria historica para recobrar las historias de todas esas personas que se salen de la norma de genero y siempre han creado espacios para la libertad para el disfrute y la evasión. Cuando trabajo el género en la danza la sexualidad y la sensualidad aparecen inevitablemente. Me gusta disfrutar de un cuerpo cambiante que puede viajar de maneras de moverse más masculinas a otras más femeninas. No se trata de reproducir cliches sino de viajar a través de ellos, entendiendo que el cuerpo fluctúa todo el rato y lo femenino se convierte en masculinos dentro de nosotres.
- La danza creo que es un arte maravilloso y que ayuda a expresar muchas cosas con un solo movimiento y con un solo gesto y también se debería de implementar en los institutos como clase obligatoria, si se hiciese ¿Cómo crees que influiría en la vida de los adolescentes?
Sin duda alguna. La danza es una herramienta maravillosa para conocerse, para relacionarnos con nuestro cuerpo y ganar autoestima y seguridad. A través de la danza desarrollamos la escucha y la empatía. Debiera ser una actividad troncal en nuestra educación porque ayudaría a formar personas más conectadas con su propio yo y a la vez con más herramientas comunicativas para con los demás. Es una pena que no tenga el reconocimiento social que se merece. Yo comencé a bailar con 20 años. Hasta entonces ni se me había pasado por la cabeza que pudiera dedicarme a ello. La danza me ha ayudado a desarrollarme como persona y aprender de la realidad que me rodea.
- Si tu carrera como creador, bailarín y coreógrafo fuese un paso, una música y una fotografía ¿Cuáles serían?
Uy, si fuese un paso nacería del pecho de los hombros, de bien dentro hacia fuera. Si fuese una música sería una canción que suena desde la habitación de a lado que va y viene, que no tienen principio ni final y que deseamos escuchar más y más. Si fuese una fotografía, sería una fotografía borrosa de una escena cotidiana que esconde un recuerdo preciso que explica mucho de la persona que aparece en ellla.
- Estuve también en unas jornadas europeas acerca “dance futures” donde se hablaba de que cuando el bailarín desaparecía de la escena o dejaba de bailar (por edad, lesión) ¿dónde estaba o qué hacía?
Como creador, bailarín y coreógrafo ¿Te preocupa este problema?
La verdad es que no. Mi profesión es tan precaria que no puedo proyectar o pensar en el futuro. Tal vez debiera hacerlo. Creo que dejaré de bailar cuando me apetezca. Ese momento igual llega o igual no pero no creo que mi carrera tenga fecha de caducidad, dependerá si sigo expresándome y compartiendo a través de ello.
- Desde que comenzó tu carrera como bailarín, coreografo y/o creador ¿Qué lugar o que escenario te ha cautivado, y ha sido un lugar perfecto de inspiración y/o creación?
Bailar en el Mercat de Les Flors en Barcelona es siempre un regalo. Es la ciudad en la que descubrí la danza. Para inspirarse la naturaleza es siempre el mejor sitio. EL ruido se reduce y es más posible escuchar.
- Con “no somos una planta” ¿ Cómo es investigar, crear y fundir las vivencias del pasado que traemos de un largo camino y que se encuentran fuera de nuestro yo consciente con lo abstracto?
¿Dónde y cómo buscas la inspiración?
Creo que acabas de describir cómo trabajo. Cuando me lanzo a un tema, a una idea o una imagen que me intriga lo hago abierto a donde pueda llevarme. No busco la lógica desde un principio y permito que mis deseos, lo que me apetece hacer en cada momento se incluya. No necesito entender lo que estoy haciendo y por eso nacen necesidades, ideas o imagenes recurrentes que vienen del inconsciente y que tienen que ser atendidas. No es que haga trabajo autobiográfico pero siempre me pongo en el centro y estoy abierto a que mi historia se exprese, me dejo afectar por lo que está pasando. Surgen materiales que pueden ser más legibles y otros más crípticos o abstractos pero intento guardar una conexión con el deseo, con las ganas que me llevan a ellos. Sé cosas sobre porcesos creativos, cosas que me guían o me hacen avanzar mientras estoy en ellos pero muchas cosas las desconozco. Sé que debo calentar el cuerpo, sé que debo tomarme espacio para mirar, sé que debo recolectar ideas, escribir, buscar referencias... pero me cuesta saber cual es el motor de una creación, de donde nace, a donde va y cómo se desarrolla. Aunque he formado parte de muchos procesos mi trabajo como creador es todavía temprano. No sé, esas parecen ser dos palabras que permiten que las ganas florezcan.
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